Tomorrowland siempre ha sido mucho más que música. Cada edición del festival belga trae consigo un universo narrativo, personajes míticos, escenarios visuales brutales y atmósferas que parecen salidas de una película. Pero este 2025, Tomorrowland fue más allá: acaba de lanzar su propia novela de fantasía, titulada The Odes of Orbyz.
Sí, ahora el festival tiene historia impresa, personajes con desarrollo, criaturas mágicas y un libro físico que puedes tener en tus manos.
El libro ya está disponible en la tienda oficial de Tomorrowland como una edición limitada. Viene en formato tapa dura, con ilustraciones exclusivas, diseño de lujo y acabado estilo antiguo, pensado para los fans que coleccionan todo lo que el festival lanza. No es un souvenir cualquiera: es una pieza que suma a la historia de Tomorrowland y a tu librero.
La música electrónica no solo se escucha, también se viste. Y Vogue lo acaba de dejar muy claro al dedicar su nueva edición de junio al vínculo entre moda y música, con nada menos que Amelie Lens como protagonista del Music Issue 2025.
La DJ y productora belga, ícono del techno global y miembro del Vogue Collective, aparece en la portada de la revista mostrando una nueva faceta: la que existe más allá del booth, en su casa, su clóset y su misión de empoderar a nuevas generaciones de DJs.
En esta edición especial, Amelie Lens abre las puertas de su hogar en Amberes, habla de su rutina fuera de los escenarios y comparte cómo su vida personal se equilibra con los ritmos intensos del tour. También nos lleva tras bambalinas de sus presentaciones y explica por qué ha decidido convertirse en una plataforma para el talento emergente dentro de la escena electrónica.
A través de entrevistas y fotografías exclusivas, Vogue muestra cómo Lens ha transformado su marca personal en algo más grande: una comunidad global que vive la música como una forma de resistencia y belleza.
Con esta edición, Vogue no solo reconoce a Amelie Lens como artista, sino como figura cultural que redefine el techno en cada aspecto de su vida: desde su música hasta su estética, desde su casa hasta sus ideales.
Cuando vas a un festival esperas beats, luces, visuales y fuego. Pero lo que vivieron miles de asistentes en el Horizon Music Festival 2024 en San Diego fue algo que ni el mejor VJ del mundo pudo haber programado: un cohete real iluminando el cielo justo cuando Tiësto estaba por subir al escenario.
Sí, real. No era un dron, ni un visual del show. Lo que vieron fue el lanzamiento de un Falcon 9 de SpaceX, que despegó el 23 de junio de 2024 desde la Base de la Fuerza Espacial Vandenberg, al norte de California. Y aunque no estaba planeado como parte del festival… la sincronía fue perfecta.
El Falcon 9, uno de los cohetes reutilizables insignia de Elon Musk, partió en una misión para colocar 20 satélites Starlink en órbita. El momento del lanzamiento coincidió con el atardecer, lo que generó un efecto óptico espectacular: una estela brillante, blanca y curva cruzando el cielo sobre San Diego.
Para quienes estaban en el festival, el fenómeno lucía tan alineado con el vibe del evento, que muchos pensaron que era parte del show de Tiësto. Las redes se llenaron de videos con captions tipo “¿Esto era real?” o “Tomorrowland se queda corto”.
Además, el Falcon 9 es visible desde cientos de kilómetros cuando despega al atardecer, gracias al contraste de la estela blanca con el cielo oscuro. Y esta vez, el momento quedó capturado por miles de celulares en un festival repleto.
🧠 ¿Por qué se ve tan raro un Falcon 9 al despegar?
Cuando el Falcon 9 despega al atardecer, su estela se ilumina con el sol desde fuera de la atmósfera, generando una especie de “pluma de luz” brillante que muchos confunden con un OVNI o una aurora. Y aunque SpaceX lanza cohetes todo el tiempo, que coincida con un festival como este fue pura casualidad… y pura magia visual.
Lo que parecía parte del show, fue en realidad un viaje espacial en tiempo real. Y aunque Tiësto ya ha puesto a bailar a millones, esta vez el spotlight fue para SpaceX. Porque hay cosas que ni el mejor productor de festival podría planear… pero el universo sí.
Si hay un festival que no necesita presentación, es Tomorrowland. Pero aún así, hay algo que no se puede explicar solo con fotos, reels o lineups: la sensación de estar en un lugar donde todo está diseñado para hacerte sentir que estás soñando despierto. Y si estás pensando en ir a la edición 2025, o solo quieres entender qué tiene este evento que enloquece a medio planeta, aquí te va: todo lo que necesitas saber para entender el fenómeno Tomorrowland.
El festival se celebra en un pueblito llamado Boom, en Bélgica, donde durante dos fines de semana (del 18 al 20 y del 25 al 27 de julio de 2025) se arma lo que parece otro universo. El lugar: De Schorre, un parque natural que Tomorrowland convierte en algo que no se parece a ningún otro festival. Escenarios que parecen castillos, estructuras que respiran fuego, bosques iluminados… sí, es real.
¿Y cómo se llega a Tomorrowland?
Aquí es donde entra el famoso Global Journey, que no es solo un paquete, es parte del ritual. Incluye vuelos desde decenas de ciudades del mundo (sí, incluso CDMX), transporte terrestre, hospedaje (hotel o camping en DreamVille) y entrada al festival. Y como si fuera poco, también puedes vivir la experiencia completa en trenes temáticos, buses con fiesta incluida y vuelos exclusivos llenos de ravers.
Lo mejor: muchos fans lo compran porque los boletos generales vuelan en minutos. En 2025, la preventa agotó 200 mil entradas en 18 minutos, y el resto se acabó en menos de 20 minutos a nivel mundial. Si no alcanzas, el Global Journey puede ser tu única puerta.
¿Y cuánto cuesta todo esto?
Pues depende de cuánto quieres vivir la experiencia. Un boleto general ronda los €295 por fin de semana. Pero si vas con camping, puedes pagar desde €100 por DreamVille básico hasta miles de euros por zonas de glamping de lujo.
Y si te vas full Global Journey, prepara mínimo €2,000, aunque hay paquetes premium que superan los €10,000. Lo bueno es que ya no tienes que preocuparte por vuelos ni traslados.
Dentro del festival, todo se paga con “perlas”, la moneda de Tomorrowland.
¿Qué tiene de especial la edición 2025?
Cada año Tomorrowland tiene un concepto visual que guía toda la experiencia. En 2025, el tema es “Orbyz”, un universo glacial con criaturas místicas que despiertan después de siglos dormidos. Todo el arte del festival se diseñará en torno a este mundo congelado. El Mainstage, que se renueva cada año, se transformará en una estructura monumental que ya se anticipa como una de las más espectaculares de su historia.
El lineup de Tomorrowland 2025 incluye a más de 600 artistas de renombre mundial. Algunos de los nombres destacados son:
Martin Garrix
Armin van Buuren
Charlotte de Witte
Swedish House Mafia
Amelie Lens
David Guetta
Fisher
Anyma
John Summit
Y la famosa Symphony of Unity, una orquesta en vivo tocando trance y house como si fuera una película de Hans Zimmer pero con beats.
Además, cada día hay decenas de showcases de sellos como Afterlife, Q-Dance, Defected, Monstercat, y más. Si eres fan de cualquier subgénero, hay un rincón para ti.
¿Y los escenarios?
Tomorrowland no tiene escenarios… tiene mundos. En total son más de 16, y cada uno tiene identidad propia.
Mainstage: el corazón visual del festival, con una escenografía nueva cada año.
Core: escondido en el bosque, un templo para el techno profundo.
Freedom: tres niveles de sonido envolvente y visuales alucinantes.
Rose Garden: vigilado por un dragón mecánico gigante (sí, en serio).
¿Un dato loco? El dragón de Rose Garden mide más de seis metros y se mueve de verdad. Y eso no es todo: más de 12 mil personas trabajan durante 4 meses para montar cada edición. Es una ciudad construida solo para que vivas tres días de otro planeta.
Atmosphere: una cúpula LED donde te sientes dentro de un videojuego futurista.
Es una fantasía colectiva que se arma con beats, luces, fuego, diseño, logística y cultura rave de verdad. Si eres fan de la electrónica, Tomorrowland es el equivalente a ir a la luna.
Coffee Raves son eventos matutinos que combinan la energía del café de especialidad con la música electrónica en vivo. A diferencia de las raves tradicionales, estas fiestas se celebran por la mañana, en lugares como cafeterías, panaderías o espacios culturales, y están libres de alcohol. El objetivo es ofrecer una experiencia vibrante y saludable para comenzar el día con buen ritmo.
Originadas en ciudades como Chicago y Montreal, las Coffee Raves han ganado popularidad en diversas partes del mundo:
Buenos Aires: Eventos como AM Coffee Rave en Air Coffee Café han atraído a cientos de asistentes.
Ciudad de México: Lugares como Verdant Café y Casa Moma organizan estas fiestas regularmente.
Santiago de Chile: La cadena Café Pascucci ha agotado entradas en sus primeras ediciones.
Houston y Austin, Texas: Cafeterías como Matcha Mia y Fareground han adoptado esta tendencia, atrayendo a un público joven y consciente de su salud.
Estas fiestas atraen principalmente a adultos jóvenes, profesionales creativos y amantes de la música que buscan una alternativa a las salidas nocturnas tradicionales. La atmósfera es inclusiva y acogedora, fomentando la conexión entre los asistentes sin necesidad de alcohol o sustancias.
Las Coffee Raves representan una evolución en la forma de disfrutar la música electrónica, ofreciendo una alternativa saludable y matutina a las fiestas tradicionales. Si buscas comenzar tu día con buena música, café de calidad y una comunidad vibrante, ¡estas fiestas son para ti!
Este sábado 24 de mayo de 2025, habitantes de la Ciudad de México fueron testigos de un impresionante halo solar, un fenómeno óptico que rodeó al Sol con un anillo luminoso visible desde distintas zonas de la capital.
¿Qué es un halo solar?
El halo solar es un fenómeno atmosférico que se produce cuando la luz solar se refracta a través de diminutos cristales de hielo presentes en nubes altas, como los cirrostratos. El resultado es un anillo de luz alrededor del Sol, que puede presentar colores similares a los del arcoíris.
Este tipo de halo es conocido como halo de 22 grados, y aunque puede ocurrir en cualquier lugar del mundo, es más común en regiones con cielos despejados y condiciones frías en capas altas de la atmósfera.
¿Por qué se vio un halo solar en la CDMX hoy?
La aparición del halo solar en la CDMX se debió a condiciones atmosféricas específicas: presencia de humedad en la estratósfera, temperaturas bajas en altitudes elevadas y cielos parcialmente despejados.
Dada la altitud de la capital mexicana, este tipo de fenómenos puede observarse con cierta frecuencia, aunque no siempre con tanta nitidez.
Reacciones en redes sociales
Cientos de personas compartieron imágenes del fenómeno desde colonias como Coyoacán, Polanco, Iztapalapa y el Centro Histórico. Las fotografías se volvieron virales bajo hashtags como #HaloSolarCDMX y #FenómenoSolar.
¿Es peligroso mirar un halo solar?
Aunque el halo solar en sí no representa un riesgo, nunca se debe mirar directamente al Sol sin protección ocular adecuada. Se recomienda usar lentes con filtro solar certificado o visualizar el fenómeno indirectamente mediante cámaras o filtros.
Desde 2010, Boiler Room se ha convertido en un fenómeno global. No tiene escenarios gigantes ni fuegos artificiales. Y si nunca has caído en ese agujero negro de sets en YouTube, prepárate.
Boiler Room cambió la forma de vivir la música electrónica: la hizo íntima, cruda y al mismo tiempo viral. Y sí, aunque hay muchos sets legendarios en festivales, hay algo especial en ver a alguien bailar a 30 cm del DJ con una cerveza en la mano. Es un caos hermoso, y por eso todos hablan de ello.
¿Qué es Boiler Room y cómo empezó?
Boiler Room nació en Londres en 2010, literalmente en una sala de calderas (de ahí el nombre). La idea era simple: grabar sesiones en vivo de DJs, sin público masivo ni producción costosa. Solo la música y la gente que la siente.
Ese enfoque lo hizo único. Puso al DJ rodeado de personas, no arriba de una tarima. Cada sesión se volvió una mezcla de fiesta privada + documento cultural.
Lo que empezó como una curiosidad local se convirtió en una plataforma internacional que ha pasado por más de 100 ciudades y cientos de artistas.
¿Por qué se volvió tan viral?
Ver una Boiler Room es como estar ahí. Sin filtros. Ves a la gente bailar, hablarse al oído, meterle el brazo al set sin querer (sí ha pasado). Eso conecta más que ver un show con drones.
Muchos conocimos a Kaytranada, Peggy Gou o Sama’ Abdulhadi gracias a un set en Boiler Room. Además, han impulsado escenas locales en países donde la electrónica no tenía tanta visibilidad.
Los sets más virales de Boiler Room
Si no sabes por dónde empezar, aquí te dejo 5 sets icónicos que resumen todo lo que es Boiler Room:
🔥 Kaytranada – Un imparable
🖤 Fred again.. – Una sesión histórica
🎧 Carl Cox – Una leyenda en modo íntimo.
💫 Peggy Gou – Estilo, house elegante y una vibra que se volvió referencia visual.
🔥 Sara Landry – Este set ha sido muy popular
Boiler Room es más que un canal de YouTube. Es una plataforma que documenta, visibiliza y democratiza la música electrónica. Gracias a ellos, géneros como el UK garage, el house latino, el techno árabe o el gqom sudafricano tienen espacio global.
Y aunque muchas marcas han intentado replicar el formato, ninguna logra ese equilibrio entre intimidad, caos y conexión real. Por eso sigue creciendo, más de una década después.
Lo confieso: fui al cine esperando salir con una lista de cosas que odiar del live-action de Lilo & Stitch. Pero salí llorando, sonriendo y, sobre todo, feliz de que esta vez Disney sí lo hizo bien.
Hay live-action que se sienten innecesarios y hay otros que, aunque no superan al original, sí logran tocarte el corazón. El live-action de Lilo & Stitch, que llega a cines este fin de semana, se queda justo en medio. No es perfecto, pero sí tiene momentos que te van a hacer llorar (otra vez) y que le hacen justicia a esa palabra que todos llevamos grabada desde 2002: ohana.
La película no solo es fiel al espíritu de la original, sino que le agrega capas emocionales nuevas. La relación entre Lilo y Nani es igual de poderosa, y aunque hay un giro importante en el final (sí, ese donde Nani toma una decisión distinta), la forma en que lo manejan no se siente traición, se siente evolución. Y eso ya es ganancia. Literalmente, sigue siendo ese desastre adorable que arruina todo… y lo arregla con amor.
Maia Kealoha, quien interpreta a Lilo, se roba toda la película. No es fácil reemplazar una voz tan icónica, pero lo logra con una mezcla de ternura, humor y mucha fuerza emocional.
La película sí honra la cultura hawaiana: hay locaciones reales, actores locales, incluso se siente más cuidado en los detalles que otros live-actions de Disney. La música es una joyita: Elvis sigue presente, pero también hay nuevas versiones como Hawaiian Roller Coaster Ride cantada por Iam Tongi, y uff, esa sí se te mete.
¿Vale la pena verla? Si amas a Stitch, sí. Si creciste con la original, te vas a emocionar… pero también te vas a cuestionar si era necesario cambiar algo que ya funcionaba.
La marca de lujo italiana Versaceestá siendo señalada por presuntamente copiar el diseño de una camiseta lanzada en 2018 por el dúo canadiense Zeds Dead. Lo que parecía un lanzamiento más de su línea Jeans Couture se convirtió rápidamente en una polémica viral dentro del mundo de la música electrónica.
Zeds Dead compartió en su cuenta oficial de Instagram una imagen comparativa entre su merch y la camiseta actual de Versace. Las similitudes son evidentes: una calavera central, fondo cósmico y composición circular, elementos clave del diseño original que ahora aparecen en la prenda de la casa de moda.
“In other news… @versace ripped off our merch designs”, escribió el dúo en redes sociales, haciendo que el post se volviera viral.
Miles de fans comentaron la publicación apoyando a Zeds Dead y criticando a Versace. Algunos exigen una demanda por plagio, mientras otros señalan que la industria de la moda sigue apropiándose del arte independiente sin consecuencias.
“Demanden. Esto no es inspiración, es robo.” “¿De verdad piensan que nadie se iba a dar cuenta?”
¿Y Versace qué dice?
Hasta el momento, Versace no ha emitido ninguna respuesta oficial ni retirado el producto de su tienda en línea. La camiseta sigue disponible bajo la línea Versace Jeans Couture, lo que ha intensificado la presión sobre la marca.
La posible copia de Versace al diseño de Zeds Dead no es solo una disputa de camisetas: es un ejemplo más de cómo la cultura electrónica defiende su identidad.
¿Inspiración o plagio descarado? El debate sigue abierto.
